Подкасты по истории

Хорагический памятник Лисикрата

Хорагический памятник Лисикрата


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Музей Дж. Пола Гетти

Круглый памятник с коринфскими колоннами снаружи. Памятник имеет круглую крышу и установлен на квадратном подиуме. Памятник частично раскопан, а вокруг есть небольшие груды щебня. За памятником стоит несколько домов с черепичной крышей.

Эта информация публикуется из базы данных коллекции музея. Обновления и дополнения, связанные с исследованиями и визуализацией, продолжаются, и новый контент добавляется каждую неделю. Помогите нам улучшить наши записи, поделившись своими исправлениями или предложениями.

Обратите внимание, что эта база данных может включать изображения и исходный язык, которые считаются уничижительными, оскорбительными или графическими, и могут не подходить для всех зрителей. Изображения, заголовки и надписи являются продуктом своего времени и точки зрения автора и представлены здесь как документация, а не как отражение ценностей Getty. Меняется язык и социальные нормы, и каталогизация коллекции - это непрерывная работа. Мы приветствуем ваш вклад, который поможет нам лучше понять нашу коллекцию.

Были приложены все усилия, чтобы точно определить статус прав на произведения и их изображения. Пожалуйста, свяжитесь с Museum Rights and Reproductions, если у вас есть дополнительная информация о статусе прав на произведение, противоречащее или в дополнение к информации в наших записях.

/> Текст на этой странице находится под международной лицензией Creative Commons Attribution 4.0, если не указано иное. Изображения и другие медиа исключаются.

Содержимое этой страницы доступно в соответствии со спецификациями International Image Interoperability Framework (IIIF). Вы можете просмотреть этот объект в Mirador - программе просмотра, совместимой с IIIF, - щелкнув значок IIIF под основным изображением или перетащив значок в открытое окно программы просмотра IIIF.


Хорагический памятник Лисикрата

Посмотреть все фото

В Древней Греции ежегодные театральные конкурсы, спонсируемые хорегой, состоятельных меценатов драматического искусства, проходили в Театре Диониса. Хорегос, спонсировавший спектакль-победитель, получил приз - большой трофей в виде бронзовой треноги. В 334 г. до н.э. Лисикрат получил первую из таких наград и поставил памятник своему трофею.

Памятник находится на улице Трипидон (улица треножников), древней дороге, которая вела от входа в город к театру и когда-то была выложена хорагическими памятниками. Фундаменты остальных были обнаружены в 1980-х годах, но памятник Лисикрату - единственный, который остался нетронутым.

Памятник имеет кубическое мраморное основание и ротонду с полуколоннами в коринфском стиле, поддерживающими архитрав. Над архитравом находится антаблемент, содержащий фризы, изображающие сцены из победной игры Лисикрата. Они показывают Диониса, греческого бога сцены, побеждающего пиратов, превращая их в дельфинов. Антаблемент первоначально поддерживал купол, который теперь отсутствует, который служил основой для трех свитков, содержащих трофей в форме треноги.

В 1658 году на этом месте был основан монастырь французских капуцинов, которому позже удалось приобрести памятник. Монахи использовали памятник как библиотеку, и отчасти благодаря этому он сохранился на протяжении многих лет. У самого монастыря есть еще пара претензий на известность. Поэт лорд Байрон останавливался там во время визита в Грецию в 1810 году и написал свое знаменитое стихотворение «Афинская дева». А в 1818 году монах посадил первые в Греции растения томатов рядом с памятником Лисикрату в монастырских садах.

Хорагический памятник был поврежден и частично погребен под завалами в 1824 году во время войны за независимость Греции, когда монастырь был разрушен. Он был восстановлен при поддержке французского правительства и теперь гордо стоит на одноименной площади.


Возрождение хорагического памятника Лисикрату в Королевском ботаническом саду в Сиднее

Отреставрированный хорагический монумент Лисикрата, расположенный в Королевском ботаническом саду в Сиднее, должен быть открыт 16 октября.

148-летний монумент с годами впал в состояние отчаяния. Однако благодаря Джону и Патрисии Азариас, которые взяли на себя двухлетнюю миссию по восстановлению национального достояния, памятник был реконструирован на 600000 долларов за счет частного и государственного финансирования.

Пара посещала сады в 2014 году, когда их внимание привлек заброшенный памятник.

& # 8220 Люди ставят памятники, и мы думаем, что через них они будут помнить, и тогда люди их больше не видят, они становятся прозрачными. И это случилось с этим памятником, - сказал neoskosmos.com г-н Азариас.

Г-н Азариас объяснил, что им удалось привлечь доноров из всех слоев общества.

& # 8220 Греческая община была первой, кто откликнулся & # 8230 Доноры прибыли из самых разных слоев общества - африканского, англо-кельтского, китайского, греческого, индийского, итальянского, христианского, еврейского, мусульманского - еще одно свидетельство жизнеспособности и разнообразия этого сказочного города. & # 8221

Но есть нечто большее, чем просто памятник, который был восстановлен для общины, поскольку г-н и г-жа Азария также сформировали Фонд Лисикрата, вдохновленный памятником в Афинах, который был установлен в 334 г. до н.э. хорегосом Лисикратом в ознаменование его триумфа в Театре Соревнование Диониса.

Фонд Лизикрата ежегодно приглашает трех драматургов для постановки первой сцены своей пьесы, а победитель получает 12 500 долларов для оказания помощи в завершении их работы.

«По сути, мы возрождаем Великую Дионисию», - сказал neoskosmos.com г-н Азарий. & # 8220 Каждый зритель входит в консерваторию, получает маленький керамический жетон и смотрит одну пьесу за другой. Когда они уходят, стоят три урны, по одной на каждую игру, и они кладут жетон, который у них есть, в одну. Урна, у которой больше всего, является победителем. & # 8221

Драматурги, вошедшие в финал конкурса Lysicrates Prize 2017, будут объявлены позже в этом месяце и выступят в Сиднейской консерватории в феврале.


Открытие отреставрированного хорагического памятника Лисикрату

Иоанн Азария всегда считал, что общество обязано поощрять творчество.

Для него лично возможность сделать это представилась в мае 2014 года, после счастливой прогулки по Королевским ботаническим садам Сиднея, когда вместе со своей женой доктором Патрисией Азариас он оказался перед Хорагическим монументом Лисикрата - точной копией храма. оригинал, воздвигнутый в Афинах в 334 г. до н.э. хорегом Лисикратом в ознаменование его триумфа на конкурсе Театра Диониса.

Знакомые с памятником и его значением, они не могли ничего поделать, но заметили песчаник в плохом состоянии.

& # 8220 Люди ставят памятники, и мы думаем, что через них они будут помнить, и тогда люди их больше не видят, они становятся прозрачными. И это случилось с этим памятником, - рассказал Азариас. Неос Космос.

Именно в этот момент он был вдохновлен на то, чтобы взять на себя инициативу по восстановлению мемориала и впоследствии основать Фонд Лисикрата.

В качестве исполнительного директора в различных советах директоров и бывшего дипломата г-н Азариас начал звонить по телефону в поисках щедрости людей. Будучи частью истории Австралии, он обнаружил, что люди были очень рады поддержать эту инициативу.

«Греческая община была первой, кто откликнулся», - говорит он, но добавляет, что не хочет полагаться только на один сектор общины, признавая его коллективным сиднейским проектом.

& # 8220 Жертвователи прибыли из самых разных слоев общества - африканского, англо-кельтского, китайского, греческого, индийского, итальянского, христианского, еврейского, мусульманского - еще одно свидетельство яркости и разнообразия этого сказочного города. & # 8221

Памятник, впервые заказанный трехкратным премьер-министром Нового Южного Уэльса сэром Джеймсом Мартином, первоначально хранился в его доме в Поттс-Пойнт до 1943 года, когда он был перемещен на его нынешнее место в садах.

Джон с женой доктором Патрисией Азариас.

Спустя два года с тех пор, как начались их усилия, Азарии преуспели в своей миссии по восстановлению памятника его былой славе с помощью программы правительства штата по программе каменных масонов, общая стоимость которой составила 600000 долларов и стала возможной как за счет частного, так и государственного финансирования.

Но это не просто памятник, который они вернули к жизни. Стремясь поощрить и вознаградить театральные таланты в Австралии, они вновь представили саму театральную модель «Великая Дионисия», получив Премию Лисикрата.

Напоминает три трилогии в древних Афинах, три драматурга, включенных в окончательный список, приглашаются для исполнения первой сцены их произведения, и, в отличие от других конкурсов такого уровня, именно аудитория определяет победителя - концепция, которая не была реализована где-либо в мире. мир около 2000 лет.

«По сути, мы возрождаем Великую Дионисию», - говорит г-н Азарий. & # 8220 Каждый зритель входит в консерваторию, получает маленький керамический жетон и смотрит одну пьесу за другой. Когда они уходят, стоят три урны, по одной на каждую игру, и они кладут жетон, который у них есть, в одну. Урна, у которой больше всего, является победителем. & # 8221

Драматург не только получает одобрение публики, но и получает 12 500 долларов на помощь в написании полной пьесы.

Инаугурационная премия в 2015 году была вручена премьер-министром Нового Южного Уэльса Майком Бэрдом, а в 2016 году - федеральным министром искусств Митчем Файфилдом.

Но идея забрать власть из рук художественного руководителя поначалу не получила одобрения.

«Когда мы впервые пошли навестить художественного руководителя театра« Гриффин », чтобы рассказать ей о нашей идее, она сказала, что мы сошли с ума», - признается г-н Азариас.

& # 8220 Художественный руководитель каждого театра - привратник, каждый идет и умоляет их взяться за свою пьесу, и вот мы идем к ней и говорим ей, что вы отдадите свою роль публике. & # 8221

Несмотря на настойчивость и настойчивость, он говорит, что фонд создал альтернативную платформу для театральных продюсеров и художественных руководителей, чтобы увидеть, как реагирует публика. Он надеется, что в будущем мероприятие продлится два-три дня и привлечет внимание всего мира.

Наряду с открытием памятника в этом месяце будет выпущена книга The Lysicrates Prize 2015: The People & # 8217s Choice, и будут объявлены драматурги, отобранные для получения премии Lysicrates Prize 2017 года. Спектакль запланирован на февраль в Сиднейской консерватории музыки, и в попытке привлечь людей из всех слоев общества вступительный взнос не взимается.

«Мы хотим, чтобы у нас были люди всех почтовых индексов, всех возрастных групп, а не только обычные подозреваемые, которые обычно ходят в театр или с театральной сцены», - сказал г-н Азариас.

Некоторым может показаться, что это требует больших усилий, чтобы вспомнить время в древней истории, давно прошедшее. Но для г-на Азариаса это гораздо больше.

& # 8220 Памятник является частью нашего наследия, ему 148 лет, и мы не только празднуем свое прошлое, но и продвигаем австралийское творчество & # 8221, что, по его словам, является основной целью фонда.
Девиз нашего фонда состоит в том, что именно писаки, мазняки и разные яйцеголовые являются настоящим сокровищем общества, те, кто запечатлевают наши истории - они будут теми, кого запомнят. Больше ничего не вспомнят в будущем, больше ничего & # 8221


Сама модель памятника старины и современности

Снос & # 8220Пенсильванского банка, 1867 & # 8221 Деталь отпечатка белка, сделанного фотографом Джоном Мораном. (Библиотечная компания Филадельфии) Хорагический памятник Лисикрата из Афин, принадлежащих Джеймсу Стюарту, 1762 г. (Смитсоновские библиотеки)

К 1830-м годам у вас будет подумал люди могут начать немного уставать от того, что каждый архитектор переводит свой город на греческий язык. И они мог бы были бы, если бы не способ Уильяма Стрикленда объединить очень старое и самое новое. Это наиболее креативное из отечественного поколения архитекторов / инженеров не уклонилось от продвижения игры на несколько ступеней выше. Стрикленд вытащил свою копию книги Стюарта. Древности Афин, книга, которая существует уже семьдесят лет и долгое время использовалась в качестве источника для архитекторов, включая Бенджамина Генри Латроба, Джона Хэвиленда и самого Стрикленда.

Но теперь ставки были выше. Стрикленд столкнулся с проблемой создания архитектурного смысла на очень выдающемся участке застройки странной формы, обозначенном улицами Док, Уолнат и Третья улица. И он обнаружил, что работает в тени шедевра своего наставника - Банка Пенсильвании. Этот сложный сайт требовал выдающегося решения - и новаторского. Нельзя втискивать прямоугольный греческий храм на участок треугольной застройки. Стрикленду требовалось найти еще более смелые, но при этом более продуманные дизайнерские решения.

Так он и сделал. Стрикленд расположил на узком конце этого клина приподнятый полукруглый портик, благодаря чему восточный фасад выглядел как парадный вход на городскую площадь. (На самом деле, это величественная закругленная задняя часть здания. Стрикленд сделал Третью улицу удобным входом.)

Перспектива старой фондовой биржи на улицах Док и Уолнат, 24 марта 1915 г. (PhillyHistory.org)

Здесь, в Филадельфии, в нескольких кварталах от набережной города, напротив утреннего солнца (того самого, которое освещало древние Афины), стоял шедевр Стрикленда. В отличие от других его построек в стиле греческого возрождения, это не было копией, вырванной со страниц книги. Древности Афин. Здесь и сейчас был трехмерный рекламный щит с изображением греческих элементов, обслуживающих Филадельфию.

Для купола, который объединил весь проект, Стрикленд нашел вдохновение в иллюстрации Стюарта памятника 334 г. до н.э., все еще стоящего на улицах Афин. Хорагический памятник Лисикрата был самовосхваленным пьедесталом высотой 21 фут для хорового приза, выигранного на конкурсе исполнительских видов искусства, являвшимся частью того же фестиваля, на котором были поставлены великие драмы Эсхила, Софокла и Еврипида. Стюарт и Уильям Генри Плейферы создали точные копии в Стаффордшире и Эдинбурге. Здесь, в Филадельфии, Стрикленд позволил себе большую вольность с дизайном - и добился очень американских результатов.

Он перенес «памятник» с уровня улицы на крышу. Он увеличил его вдвое, создав гигантскую структуру высотой 40 футов и диаметром 14 футов, определяющую линию горизонта. И вместо того, чтобы интерпретировать хорагический памятник Лисикрата в камне на протяжении веков, Стрикленд спроектировал его из дерева, которое, как он знал, может прослужить всего несколько десятилетий. (Он будет заменяться каждые шестьдесят лет.) Теперь, вдали от Европы, этот археологически верный, эфемерный памятник в масштабе поп-арта будет отражать прошлое. Но что еще более важно, здесь, на фоне городского пейзажа Филадельфии 1830-х годов, эта достопримечательность будет жить настоящим моментом.

Восточная сторона здания торговой биржи, 2 ноября 1960 г. (PhillyHistory.org)

Торговая биржа и, в частности, башня на ее восточном конце станут важным элементом новой высокотехнологичной информационной сети. Задолго до 1837 года, когда Сэмюэл Ф. Морс запатентовал свой телеграф (и способ задолго до того, как кто-либо мечтал об Интернете) Европейцы и американцы имели «оптические телеграфы», способные быстро передавать закодированные сообщения на большие расстояния. Еще в 1807 году Конгресс США обсудил и в конечном итоге проголосовал за финансирование цепочки оптических телеграфных вышек длиной 1200 миль, соединяющей Нью-Йорк и Новый Орлеан, - проект, который отошел на второй план. Но это не было надуманным. Более десяти лет назад изобретение Клода Шаппа, «семафорный визуальный телеграф», появилось во Франции как 143-мильная связь между Парижем и Лиллем, которая вырастет в сеть из более чем 500 башен по всей Европе, простирающуюся на 3000 миль. В 1799 году, когда к власти пришел Наполеон Бонапарт, он задумал распространить технологию на Ла-Манш.

Торговая биржа, смотрящая на восток сверху над Третьей улицей, во время строительства третьего купола, 25.10.1964. (PhillyHistory.org)

Поэтому, когда американский архитектор Уильям Торнтон в 1800 году задумал соединить Северную и Южную Америку, возможности вызвали сомнения. Вскоре американские бизнесмены в Бостоне и Нью-Йорке обзавелись собственными оптическими телеграфными сетями. К тому времени, когда строилась Торговая биржа, оптический телеграф в Бостоне отслеживал судоходство, торговлю и инвестиции в режиме реального времени.

«Время и расстояние уничтожены», - стало популярным провозглашением, мантрой 1830-х годов.

Поэтому неудивительно, что купол торговой биржи высоко над улицами Док и Уолнат-стрит выполнял тройную задачу: служил местом для служащих с телескопами, определяющими корабли, направляющиеся в порт Филадельфии и из него, а также местом для отправки и получения мигающих сообщений. Нью-Йорк через равнины Нью-Джерси и самое непреходящее послание из всех: что Филадельфия, наконец, стала современной версией древних Афин.


Хорагический памятник Лисикрата - История

Просматривать

Кураторское примечание

Это очень необычный вариант Хорагического памятника. Фуке не основывал свою реконструкцию модели на изображениях оригинала в Афинах, который был памятником, воздвигнутым в честь Choregos или театральный спонсор Лисикрат. Драма, которую он организовал и оплатил в 335 или 334 году до нашей эры, выиграла первый приз на религиозном фестивале Дионисия, который проходил в Театре Диониса в Афинах в честь этого бога. Призом был бронзовый треножник, который в ознаменование победы Лисикрата был установлен на небольшом круглом памятнике, названном его именем (334 г. до н.э.). Вместо этого Фуке основал модель на так называемом «Фонаре Демосфена», высоком башнеобразном безумие, построенном в 1801 году Наполеоном I в парке замка Сен-Клу в Париже, две верхние части которого были слабо основанный на классическом памятнике. Открытая круглая структура содержала бюст Императора (воспроизведенный в миниатюре на модели Фуке), и Фонарь будет освещен, чтобы указать, что Наполеон находится в резиденции в замке. Первоначальный хорагический памятник Лисикрата был намного короче, чем башня в Сен-Клу, а центральная часть была образована полым барабаном из кирпичной кладки с зацепленными коринфскими колоннами. В 1870 году в результате франко-прусской войны фонарь Демосфена на Сен-Клу был разрушен.

Эта модель вместе с Аркой Адриана (MR74) была сильно повреждена во время Второй мировой войны, вероятно, когда в ночь на 15 октября 1940 года на Lincoln’s Inn Fields упала мина, разбив стеклянный корпус, а также гипсовую модель.

Разрушенные гипсовые колонны позволяют увидеть внутреннюю бронзовую арматуру, которую Фуке использовал для укрепления хрупкой штукатурки. Казалось бы, эти бронзовые стержни поместили в формы для валов колонн, а затем налили жидкий гипс вокруг них.


Открыт хорагический памятник Лисикрата

Один из самых замысловатых исторических памятников Сиднея был восстановлен в его былой славе благодаря работе специализированного подразделения каменщиков правительства Нового Южного Уэльса, группы сиднейских филантропов и Королевского ботанического сада.

Хорагический памятник Лисикрата, расположенный в Королевском ботаническом саду, является копией древнегреческого памятника 1870 года, датируемого 334 годом до нашей эры.

Министр финансов, услуг и собственности Доминик Перротте сегодня представил памятник, который был частично отреставрирован благодаря инвестициям в размере 200 000 долларов США в рамках программы Министерства каменных работ.

«Памятник Лисикрату олицетворяет богатую культурную историю и наследие, которые сформировали наш город, наш штат и нашу нацию, и мы просто должны сохранить эту историю для будущих поколений», - сказал г-н Перротте.

& # 8220Ранее в этом году правительство выделило дополнительно 2 миллиона долларов на финансирование наших специалистов-каменщиков для восстановления и сохранения наших икон наследия, и я был рад, что смог включить сохранение этого памятника в программу & # 8221.

Каменщики за работой в Йеллоублоке.

Помимо связей с Древней Грецией, памятник Сиднею имеет важное местное историческое значение. Он был заказан в 1868 году премьер-министром Джеймсом Мартином (в честь которого был назван Мартин Плейс) и вырезан из культового песчаника Сиднея - желтого блока.

Первоначально расположенный в саду Martin & # 8217s Potts Point, памятник был спасен от сноса в 1943 году и перенесен в Королевский ботанический сад тогдашним премьер-министром Уильямом Маккеллом после кампании журналиста Sydney Morning Herald Фрица Бернелла.

В 2014 году группа сиднейских благотворителей заметила, что дождь и ветер размыли мягкий золотой песчаник памятника. Группа сформировала Фонд Лисикрата, который в тесном сотрудничестве с Министерской программой каменных работ и Королевскими ботаническими садами работал над реставрацией памятника.

Текущее обслуживание памятника будет поддерживаться Фондом Лисикрата и Королевским ботаническим садом. Фонд Lysicrates Foundation также учредил ежегодный конкурс пьес в духе греческих театральных традиций в рамках своей работы по продвижению исполнительского и изобразительного искусства в Австралии.


Консервация (Построен) & # 8211 Памятник Хорегику

Хорегический памятник Лисикрата расположен в Королевском ботаническом саду недалеко от дамбы Фарм-Коув. Памятник является копией оригинала, воздвигнутого в Афинах в 334 году до нашей эры. Проект включал в себя исследования, оценку состояния, опреснение, повторный карвинг и стабилизацию поверхности. Подстрекательство и участие сообщества были важной частью этого проекта.

Монумент Хорегич примечателен своей формой, материалами, мастерством и историческими ассоциациями. Памятник внесен в Национальный реестр доверительного управления города Сиднея LEP и является объектом, находящимся на территории заповедника. Считается, что оригинальный памятник в Греции является первым внешним использованием коринфского ордена и включен в книги по истории архитектуры, чтобы продемонстрировать композицию коринфской столицы. Копия Сиднея, датированная 1870 годом, позволяет ученым, студентам и сообществу иметь доступ к точной копии, чтобы учиться и получать удовольствие.

Монумент демонстрирует высокое качество пещеры и навыки копировщика каменотеса Уолтера МакГилла, известного также тем, что вырезал славные коринфские капители Австралийского музея. Памятник важен тем, что он связан с бывшим премьер-министром Нового Южного Уэльса сэром Джеймсом Мартином из Мартин-Плейс, который заказал работы для своего сада в Поттс-Пойнт в 1870 году. Памятник был перенесен в Королевский ботанический сад в 1943 году.

Возникновение проекта:
В 2014 году частные лица Патрисия и Джон Азариас заметили, что Хорагический памятник нуждался в уходе во время прогулки по Королевскому ботаническому саду в Сиднее. Они создали фонд Lysicrates Foundation для сбора средств от частных доноров, и программа государственного министра по каменной кладке (MSP) соответствовала денежным средствам доллар за долларом. Это первое частно-государственное партнерство, созданное MSP. Общая стоимость проекта составила 450 000 долларов.

Подход к сохранению:
Благодаря финансированию частных доноров пришли предвзятые идеи о «реставрации» и ожидании того, что памятник будет выглядеть чистым и улучшенным. Команда MSP работала в тесном сотрудничестве с донорами, чтобы предложить основу для принятия решений по сохранению памятника на основе руководящих принципов Burra Charter. Основной задачей этого проекта было определение уровня замены камня с учетом существующего состояния и продолжающегося воздействия суровых условий окружающей среды. Вопросы важности, основанные на форме (коринфский порядок), были тщательно оценены подлинностью.

В иерархии значимых элементов памятника фриз имеет большое значение, поскольку резные фигурки рассказывают историю греческого бога Диониса, сражающегося с пиратами, которые превращаются в дельфинов, когда их бросают в воду. Фриз состоит из 3-х камней, каждый из которых рассказывает треть истории. Команда решила повторно вырезать один из трех камней (юго-западная сторона) из-за его высокой степени разложения. Поверхность этого камня потеряла все узнаваемые детали, как показано на прилагаемых фотографиях. Хотя оставшиеся два камня находятся в достаточно обветренном состоянии, скорость разрушения замедлилась за счет опреснения и изменения положения верхних областей для предотвращения попадания воды. Основная цель проекта состояла в том, чтобы сохранить как можно больше оригинального песчаника, стабилизируя и защищая памятник в целом, чтобы сохранить значимость объекта для следующего поколения.

Исследования и документация:
Были подготовлены обмерные чертежи, отображающие состояние камня, чтобы сделать запись в будущем и сравнить состояние с записями, подготовленными программой Stone Program 20 лет назад. Для съемки памятника до, во время и после работ была заказана архивная профессиональная фотография. Процесс повторной резьбы потребовал от каменщиков исследования масштабных и стилистических различий между оригинальным памятником и сиднейской версией. Ключевым документом, упоминаемым при повторной резьбе на одном из фризовых камней, являются рисунки оригинала из «Афинских древностей» Стюарта и Реветта, опубликованного в 1748 году.

Вовлечение в проект и наследие:
Таким образом, ни один другой общественный памятник в Новом Южном Уэльсе не затрагивает такое разнообразие общественных интересов. Работы по консервации стали катализатором для многих крупных и длительных общественных мероприятий и творческих поисков, в основном благодаря энтузиазму к инициаторам проектов Патриции и Джону Арариас.

Фонд Лисикрата & # 8211 Доктор Патрисия Азария и Джон Азариус были вдохновлены Фондом Лисикрата на сбор частных средств для внесения вклада в сохранение памятника Хорегику. Как только это было достигнуто, Фонд учредил Премию Лизикрата, эквивалент Премии Арчибальда для драматургов, совместно с Театром Гриффина.

Греческая община - благодаря связи памятника с оригинальной 334 г. до н. Э. Памятник Хорегику в Афинах. Иоанн Азария дал интервью греческому радио о проекте сохранения и театральной премии Лисикрата.

Сообщество юристов - Джеймс Мартин заказал памятник f в 1870 году. Сохранение памятника вызвало интерес в юридическом сообществе, которое воздало должное Мартину за его достижения в качестве первого премьер-министра и главного судьи Австралии. Инаугурационная речь Мартина была учреждена Фондом Лисикрата и дана достопочтенным. Т. Ф. Батерст, председатель Верховного суда штата Новый Южный Уэльс, 25 ноября 2016 г. (Памятный буклет прилагается).

Театральное сообщество & # 8211 Премия Лисикрата была учреждена в 2015 году и представляет собой ежегодную театральную премию Арчибальда за драматургию, вдохновленную древнегреческим памятником, воздвигнутым в 334 году до нашей эры. в Афинах, чтобы отпраздновать победу спонсора, Лисикрата, в театральном конкурсе «Великая Дионисия» того года.
Это мероприятие в Сиднее привлекает к Монументу не менее 500 человек каждый год, так как это место для объявления победителя. Статья Financial Review, 3 февраля 2017 г. (прилагается) и интервью на радио Eastside 89.7FM http://www.afr.com/lifestyle/arts-and-entertainment/theatre-and-dance/sydney-philanthropists-create-the-lysicrates -prize-20170131-gu2c75

Общество Байрона. Оригинальный памятник имеет важную связь с лордом Байроном, который писал стихи внутри памятника во время пребывания в Афинах в 1800-х годах. Австралийское общество Байрона провело собрания в Ботаническом саду у памятника в честь дня рождения Байрона.

Консервация каменной кладки - открытие завершения реставрации работы было показано в новостях ABC.

Опубликовано 16 октября 2016 г. Важным аспектом проекта было информирование о значении объекта и работах по консервации.

Песня «Баллада о Мартине и Лисикрате», написанная женой губернатора Нового Южного Уэльса г-жой Херли и спетая г-жой Херли на публичной церемонии завершения работ по консервации в Ботаническом саду в октябре 2016 года.

Над проектом работали:
Министр & # 8217s Программа каменных работ, Департамент финансов, услуг и инноваций

Что сказали судьи:

& # 8220Ужасная работа по программе министра каменных работ над репликой греческого памятника 334 г. до н.э. в Ботаническом саду, включающая исследование, опреснение, повторный каротаж и стабилизацию. & # 8221


Европейская и американская архитектура (1750–1900)

Этот урок охватывает один из самых захватывающих 150-летних периодов архитектуры, 1750–1900 гг. Сейсмические изменения произошли в районах:

Образ жизни: За эти годы многие люди переехали из деревни в город. В 1850-х годах Англия достигла баланса 50/50. Равновесие в Америке наступило примерно в 1920-х годах. Эта индустриализация вызвала создание новых типов зданий.

Правительство: В конце восемнадцатого века в западном мире произошли две масштабные революции - Американская революция и Французская революция. Монархии пришли в упадок, и были созданы демократические правительства.

Покровительство: Религиозное и аристократическое покровительство уступило место большему количеству комиссий со стороны демократических правительств и богатых, сделавших себя самостоятельно.

Технология: Достигнут прогресс в строительных материалах, транспорте и машинном оборудовании. На смену традиционным материалам, таким как кирпич и камень, пришли черные металлы (железо и сталь) и стекло.

Архитекторы и дизайнеры пытались смягчить свою подготовку с учетом требований современной жизни, что подтверждается не только самой архитектурой, но и архитектурными текстами, дизайном интерьеров, раскопками и городским дизайном, некоторые из которых будут рассмотрены в этой лекции. Достижения в этих категориях в конечном итоге безвозвратно направили строителей на путь современной архитектуры двадцатого века.

Отправная точка этого урока предполагает, что студенты будут знать тенденции в архитектуре барокко и рококо, но имеет смысл начать с обзора:

Покажите своему классу слайд, содержащий изображения знаковых произведений архитектуры барокко и рококо. Мне нравится использовать борромини Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане (Рим, 1638–41) как пример барокко, а также работы Жермена Боффрана и Шарля-Жозефа Натуара. Салон де ла Принцесс, Отель де Субиз (Париж, 1736–179) как образец рококо.

Начните обзор с некоторых из этих подсказок:

  • Опишите формальные характеристики архитектуры барокко и рококо.
  • Кто были покровителями?
  • Опишите доминирующие идеологии и ценности культур, создавших эти работы.
  • К каким источникам они обращались?

Вы, студенты, возможно, будете удивлены, узнав, что яркие качества архитектуры барокко и рококо, которые они научились распознавать и ценить на предыдущих лекциях, подверглись критике в середине восемнадцатого века из-за их предполагаемых злоупотреблений свободой, сочетающих классические элементы неортодоксальным образом, и изобретение, например создание новых столиц. Взгляд на эти работы с точки зрения второй половины восемнадцатого века служит двойной цели: выступать в качестве перехода от последней лекции к этой, а также создавать архитектурную сцену для текущей лекции.

Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане (1599–1667 гг.) Франческо Борромини - один из примеров здания в стиле барокко, которое - для умов середины восемнадцатого века - вобрало в себя слишком много изобретений. План Борромини, построенный для испанского ордена босых тринитариев, показывает, что внутреннее пространство церкви было основано на геометрии (равносторонние треугольники, круги и овал). The underlying geometry becomes lost among the aspects that mesmerize viewers: the undulating walls, irregularly spaced columns, frequent wall openings, and ornament—all showcasing the freedom with which Borromini used and altered Classical elements—a significant example being the volutes of the composite capitals, some of which curve upwards instead of the traditional down. The sculptural quality of the interior is reflected in the church’s exterior. The façade swells out and in, and areas between columns are filled with niches and sculpture.

Moving forward a hundred years to the Rococo, your students will likely be familiar with Germain Boffrand and Charles-Joseph Natoire’s Salon de la Princesse, Hôtel de Soubise. An oval room on the upper-level, this salon was used by a princess of the Rohan-Soubise dynasty for entertaining. The walls dematerialize, punctuated by windows, doors, and large mirrors. Extensive amounts of gilt ornamentation cover the walls and frames openings.

Themes to stress throughout the lecture include прогресс, building type, материалы а также технология.

Background Readings

Henry Flitcroft, The Temple of Apollo, Stourhead, 1765 (Wiltshire, England).

One of the best sources is Leland Roth’s Understanding Architecture: Its Elements, History, and Meaning, second edition (Westview Press, 2007). If you are looking for information on European architecture see Barry Bergdoll’s European Architecture 1750–1890 (Oxford University Press, 2000) and Sir John Summerson’s The Classical Language of Architecture, twentieth printing (MIT Press, 2001). For an explanation of materials, see Harley J. McKee’s Introduction to Early American Masonry (National Trust for Historic Preservation, 1973). This book provides an excellent overview of the tools used to prepare building materials and terminology.

For British Architecture, see Sir John Summerson’s Architecture in Britain 1530–1830, ninth edition (Yale University Press, 1993).

For American architectural history, I recommend a series of survey texts as well as sources that are more focused upon specific artists or structures. Leland Roth’s A Concise History of American Architecture (Harper & Row, Publishers, 1979) provides a standard chronological progression through North American architectural movements. Dell Upton’s Architecture in the United States (Oxford University Press, 1998) is divided into chapters that address American architecture through the lenses of community, nature, technology, money and art.

For Stourhead see their webpage on the United Kingdom’s national trust site.

For the United States Capitol building, see James D. and Georgiana W. Kornwolf’s Architecture and Town Planning in Colonial North America (Baltimore: Johns Hopkins University Press, 2002)—a wonderful text about colonial and early American architecture. Also see Henry Russell Hitchcock and William Seale’s Temples of Democracy: The State Capitols of the U.S.A. (New York: Harcourt Brace Jovanovich, 1976).

For Schinkel’s Altes Museum, see Steven Moyano, “Quality vs. History: Schinkel’s Altes Museum and Prussian Arts Policy,” The Art Bulletin Vol. 72, No. 4 (December, 1990), 585–608 James J. Sheehan, Museums in the German Art World: From the End of the Old Regime to the Rise of Modernism (Oxford University Press, 2000) Karl Friedrich Schinkel, 1781–1841: The Drama of Architecture (Art Institute of Chicago, 1994).

For the Gothic Revival, I am indebted to Chris Brooks’ The Gothic Revival (Phaidon, 1999) and Michael J. Lewis’ The Gothic Revival (Thames & Hudson, 2002).

For the Grammar of Ornament see Carole A Hrvol Flores’ Owen Jones: Design, Ornament, Architecture, and Theory in an Age of Transition (Rizzoli, 2006) John Kresten Jespersen, “Originality and Jones,” The Grammar of Ornament of 1856,” Journal of Design History Vol. 21, No. 2 (Summer 2008), 143–53 and Stacey Sloboda’s “The Grammar of Ornament: Cosmopolitanism and Reform in British Design.” Journal of Design History Vol. 21, No. 3 (Autumn, 2008), 223–36.

For the Skyscraper, I recommend Sarah Bradford Landau and Carl W. Condit’s Rise of the New York Skyscraper, 1865–1913 (Yale University Press, 1996) and Winston Weisman’s “A New View of Skyscraper History” in Rise of an American Architecture. (Metropolitan Museum of Art by Praeger Publishers, 1970).

For Aesthetic Movement architecture, see Andrew Saint’s Richard Norman Shaw (Yale University Press, 2010) Jeffrey Karl Ochsner and Thomas C. Hubka, “H. H. Richardson: The Design of the William Watts Sherman House,” Journal of the Society of Architectural Historians, Vol. 51, No. 2 (June, 1992), 121–45 James F. O’Gorman’s “A Touch of Nash: The Williams Watts Sherman House and the Aesthetic Movement.” Девятнадцатый век Vol. 19, No. 1 (1999), 53–9 and In Pursuit of Beauty: Americans and the Aesthetic Movement (Metropolitan Museum of Art, 1986).

For Ecole des Beaux Arts architecture see Christopher Mead, “Urban Contingency and the Problem of Representation in Second Empire Paris,” Journal of the Society of Architectural Historians Vol. 54, No. 2 (June, 1995), 138–74.

Content Suggestions

The layout of this lecture is designed to underscore the international and intercontinental spread of architectural ideas. In most instances, I give two examples to illustrate a particular stylistic movement—one European and one American. Optional works are indented underneath to supplement certain topics. I have also included asides about materials and other topics, which can be useful.

In an hour and fifteen minutes, you should be able to cover the following works of architecture:

  • Francesco Borromini, San Carlo alle Quattro Fontane (Rome, 1638–41)
  • Germain Boffrand and Chalres-Joseph Natoire, Salon de la Princesse, Hôtel de Soubise (Paris, 1736–9)

Second Half of the Eighteenth Century:

  • Marc-Antoine Laugier, Essai sur l’architecture (Paris, 1755 first edition 1753)
  • James Stuart and Nicholas Revett, The Antiquities of Athens: Measured and Delineated (London, 1762–95)
    • Choragic Monument of Lysicrates, c. 334 BCE
    • Claude Lorrain, Coast View of Delos with Aeneas (1672)
    • Henry Flitcroft, Pantheon (constructed between 1753-54)
    • Henry Flitcroft, Temple of Apollo (constructed in 1765)
    • Henry Flitcroft, King Alfred’s Tower (designed 1765, constructed between 1769–72)
    • Bristol Cross (a monument from the fifteenth–seventeenth centuries was moved in 1765 from its original Bristol location to Hoare’s park)

    Девятнадцатый век

    • Karl Friedrich Schinkel, Altes Museum (Berlin, 1823–30)
      • William Strickland, Tennessee State Capitol (Nashville, 1845–59)
      • Richard Upjohn, Trinity Church (New York City, 1839–46)
      • William LeBaron Jenney, Home Insurance Building, (Chicago, c. 1885)
      • McKim, Mead, and White, American Safe Deposit Company Building, (New York City, 1882–4).
      • H. Richardson, William Watts Sherman House (Newport, Rhode Island, 1874–6)
      • World’s Columbian Exposition (Chicago, 1891–3)

      Begun in the second half of the eighteenth century and lasting through the early nineteenth century, the Enlightenment did much to affect the path of architecture. Though not a single unified movement, it was founded on the belief in progress and in the power of reason. Recent achievements in science encouraged the notion that, through the acquisition of knowledge and the application of reason social, intellectual, and moral reforms could be affected. The impact of the Enlightenment on the arts took various forms. Some artists paid homage to science, others studied the classical past. The later impacts architecture more acutely.

      By 1750, there was a growing discontent with the gaudy Baroque and Rococo architecture highlighted above. It came under fire for being dishonest, meaning that its sculptural, undulating walls and overzealous ornamentation deceptively hid the building’s supporting construction. Critics thought that these features placed the emphasis in the wrong places and architecture required a much needed return to its primitive origins. This viewpoint was demonstrated in the frontispiece of the second edition of Essai sur l’architecture by Jesuit priest and amateur aesthetician Marc-Antoine Laugier (1713–69).

      The engraved frontispiece of Essai sur l’architecture depicts a classical female figure as the Muse of Architecture, holding a compass, a right angle and reclining on an entablature. The image also includes the Scamozzi Ionic capital (Scamozzi Ionic capitals flare out at the corners when the two sides come together). This Muse directs an infant to a primitive hut, humanity’s first built structure that represents pure, honest architecture. Built of wood—both living trees and cut—the space was created using a limited number of elements: posts (the verticals), lintels or beams (the horizontals), and gabled roof. All of these elements are not decorated.

      This image served as a rallying point to galvanize people to return to a perceivably purer architecture. It should be stated here that Laugier and his supporters did not feel that the only structures that should be built were primitive wooden huts. Instead, they promoted the idea that if a historical source was emulated, it should be from a culture that practiced pure architecture. The older the civilization, the purer architecture they created. Using this logic, Greek architecture was superior to Roman, as Greek civilization was older.

      One publication that did the most to spread an awareness of Greek architecture was The Antiquities of Athens: Measured and Delineated by English architects and antiquarians James Stuart and Nicholas Revett. Conceived during the Enlightenment, when there was interest in ancient cultures, the work was subsidized and published by the Society of Dilettanti (an English group of men who had all partook in the Grand Tour. Sir Joshua Reynolds was a member of the group who painted several portraits of its members). This text is noteworthy for containing the first meticulously measured drawings of ancient Greek architecture, giving the Western world access to their natural architectural perfection. To make the text as accurate as possible, Stuart and Revett spent four years (1751–5) documenting architectural monuments in and around Athens before returning to England to begin the publishing process. Although it was intended to be the first text of its kind, the drawn out publishing process allowed for a Frenchman, Julien-David Le Roy to produce Les Ruines des plus beaux monuments de la Grèce (Paris, 1758) five years before the first volume of The Antiquities of Athens появился. Despite publication delays, and then its gradual release, The Antiquities of Athens’ influence was international and it became a manual (historian James F. O’Gorman uses the word “Bible”) for the “Greek Revival” across Europe as well as in North America, c. 1810s–1840s.

      An illustration from Volume One of the text depicts the Choragic Monument of Lysicrates. Located near the acropolis, this monument was erected around 334 BCE to commemorate an athletic or choral victory. This circular structure is thirteen feet high, made of marble, and around the exterior are six engaged Corinthian columns—some of the earliest of that type. Now lost is a tripod trophy that at one point surmounted the monument.

      A visual and ideological counterpoint to the pursuit of a more pure architectural source is the picturesque landscape garden Stourhead located in Wiltshire, England, the vision of banker Sir Henry Hoare. Designed over decades, Stourhead’s vistas were completely constructed—earth was moved, a lake was formed by damming a local river, and flora was planted. Hoare aimed to make mimic the painted landscapes found in the paintings of French Baroque painters Claude Lorrain and Nicholas Poussin. Indeed, Hoare had collected Lorrain’s Coast View of Delos with Aeneas (1672), which influenced the designs. For example, the garden included bridges and a building with a dome, imitating the Pantheon in Rome, motifs found in Lorrain’s paintings. The winding path through the garden began and ended at the house, leading one around the irregular lake that forms the garden’s centerpiece. Along the way, one was supposed to stop at certain points to admire views and pavilions constructed in differing architectural styles.

      Palladian architect Henry Flitcroft was commissioned to construct several pavilions for Stourhead: the aforementioned Pantheon (constructed between 1753–4), the Temple of Apollo (constructed in 1765), and the triangular 160-foot brick structure King Alfred’s Tower (designed 1765, constructed between 1769-72)—the top of which can be reach through an internal spiral staircase. In 1765, the Bristol Cross was moved from its original Bristol location to Hoare’s park. Over the centuries there has been debate among historians as to how the Virgilian inscriptions on the pavilions should be interpreted, and how that affects in the viewer’s experience in the garden.

      Politically, the full embodiment of Enlightenment ideals was reached during the American and French Revolutions that took place at the end of the eighteenth century and the early part of the nineteenth century. В United States Capitol (c. 1793–1828, 1851–7, and 1856–63) in Washington D.C. became a beacon to Enlightenment ideas, adhering to the Classical spirit in its architecture’s revolutionary Neoclassical style. The federal building was envisioned as a seventeen-room brick building that would house the legislative branch of government.

      The fact that the U.S. Capitol was originally envisioned as a brick building may come as a surprise for students, who by this time are used to seeing European architecture constructed of fine stone. At the turn of the nineteenth century, American architects and builders were still uncomfortable and quite untrained in using this material. The lack of confidence architects and builders had for building stone was balanced by their assurance in using brick. Brick’s flexible recipe, permanence, and skill requirement allowed it to used across American in building construction. On the eastern seaboard, it was a material that that been in use since 1618 (the first brick building was the Fourth Jamestown Church—Jamestown was founded in 1607).

      As time progressed, other functions were added to the Capitol, such as Washington’s tomb and setting aside a space for the Supreme Court. In initial submissions, American gentlemen architects/builders failed to create adequate elegant and monumental forms that would define the nation’s new building type. President Washington called them ‘dull.’ Ultimately, the chosen design was a synthesis of competition submissions, which had referenced many aspects of other state houses, namely: a portico, a dome, a central public space, and the two houses opposite one another.

      Despite having many different creators (William Thornton, B. H. Latrobe, Charles Bulfinch and Thomas U. Walter—who were a mixture of professional and gentlemen architects), the Capitol’s various parts are united in the Neoclassical style, with the focal point being Walter’s dome (1856–63), modeled after the Pantheon. Construction of the Capitol pushed American builders out of their material comfort zones. Originally proposed as a brick structure, it was decided that ashlar masonry should be used for the exterior. For the vaulting, Thomas Jefferson wanted to use wood, but Latrobe pushed for masonry. Decades later, builders were pushed to their technological limits using a new material—iron, both cast and wrought—to create the Capitol’s famous dome.

      Nineteenth century architecture is memorable for its quick succession of historical revival styles, including the Greek Revival, the Gothic Revival, and the Queen Anne Style (a.k.a. the Aesthetic Movement), as well as introducing some major architectural publications and new building types. I hope to give a sense of the complexity of the nineteenth century architectural situation by highlighting select architectural examples, architectural texts, and new building types.

      The Greek Revival

      The facade of Karl Friedrich Schinkel’s Altes Museum in Berlin is a prime example of Greek Revival architecture. The museum is a large box with eighteen fluted Ionic columns in front, surmounted by a smaller box. The building’s sheer breadth—it takes up almost the whole width of the northern end of the Lustgarten (Pleasure Garden)—and its façade, distilled to vertical and strong horizontal elements (arches are a feature synonymous with Roman architecture), are the more primitive/pure Greek architectural characteristics to which Schinkel alluded. The most direct visual source would be the Athenian stoa poikile, the ancient covered colonnade in the agora.

      This building did much to revitalize the heart of the city. First, by placing the museum at the north end of the Pleasure Garden, Schinkel inevitably elevated the art museum’s position in society because it took its place among three other important buildings: the Royal Palace, the Cathedral, and the Arsenal. Second, Schinkel carefully controlled the viewing experience of this building. Around 1830, one approached the Altes Museum from Berlin’s main boulevard Unter den Linden (“Under the Linden Trees”—the boulevard was lined with them). Down the street, the Royal Palace anchors the viewer’s vista. As one approached the palace the trees would frame a view of the Cathedral. Upon crossing the bridge and entering the southern end of the Pleasure Garden, the view of the Altes Museum would finally be visible.

      Internally, Schinkel forcefully argued for the rotunda, a space he felt would prepare visitors to experience the building and view works of art.

      Schinkel’s Altes Museum façade conveyed his understanding of the principles underlying the pure linear forms of Greek architecture. Other architects opted for a more direct quotation of Greek architecture.

      In the United States, a fine example of Greek Revival architecture is William Strickland’s Tennessee State Capitol (Nashville, 1845–9). Well-trained (Strickland was trained by B. Henry Latrobe, whom we met above with the U.S. Capitol) and well-traveled (Strickland went to Europe in 1838, traveling through England, France, Italy and Germany. Images from his European sketchbook have been made available online at the Tennessee Virtual Archive “William Strickland Sketchbook”.), Strickland demonstrated his broad working knowledge of historic architectural sources in the Tennessee State Capitol.

      In the Capitol, Strickland referenced a different order (Doric, Ionic, Corinthian) in each main section of the building. Working from the ground upwards, the Capitol had a Doric basement, Ionic porticos, and a Corinthian tower. The Erechtheum (the Acropolis, Athens, Greece) inspired the Ionic porticos, and Strickland used plates of the Choragic Monument of Lysicrates found in The Antiquities of Athens as inspiration for the lantern for his building. Strickland modified the forms of the ancient original with windows to suit modern needs.

      The Gothic Revival

      The Gothic Revival began in Britain and spread internationally and across continents. Arguably the greatest monument to the Gothic Revival is the New Palace of Westminster, better known as the Houses of Parliament (London, 1835–68).

      The Old Palace of Westminster was almost completely destroyed by fire in 1834. On August 18, 1835, a Royal Commission was issued to rebuild the Palace and debate ensued over its appropriate style. Two main camps emerged: Neoclassical versus Gothic. Those in favor of the Neoclassical style supplied evidence such as the style’s popularity and its successful track record in high profile public commissions, such as the United States Capitol. Those who felt that the Gothic would be more appropriate supported their case with the following concepts that would be best articulated by A.W.N. Pugin, in his books Контрасты (1836) and True Principles of Pointed or Christian Architecture (1841):

      • Harmony/Fitness: It was believed that there exists a connection between culture and architectural expression. The Gothic style surfaced during the medieval ages. The architecture produced was viewed as being perfectly in harmony to its needs. During the Gothic Revival, it was hoped that if buildings were constructed in that earlier style that it might resurrect some of the sentiments and the harmony perceived as missing from modern society.
      • Nationalism/Patriotism: At this time it was believed that each culture creates its own distinct style that suits its culture and climate. In the nineteenth century, Gothic architecture was perceived as being an indigenous English style, it would be only natural to draw upon England’s own architectural heritage and not an imported style from the southern European continent. Neoclassical architectural style would further be unsuited to England as it is an architecture produced for its milder Mediterranean climate and would be unsuited to the weather conditions of the north.
      • Function/Honesty: Gothic architecture was viewed as being an honest form of architecture, in which everything included contributed to its construction. Gothic ornament was judiciously placed to enrich and accent structural lines.

      In the end it was decided that architects submit designs in either the Gothic or Elizabethan style. Architect Charles Barry (1795–1860), best known for his classical and Italianate designs, submitted the winning design. Because of his more classical specialty, he employed the talents of A.W.N. Pugin, the vociferous Gothic revivalist mentioned above. The workload between the two men was neatly divided, Barry designed space and structure and Pugin designed the ornament and the interiors.

      Barry’s design was successful for multiple reasons. First, the Houses of Parliament was built on the site of the Old Palace of Westminster and successfully integrated the surviving structures (Westminster Hall and St. Stephen’s Chapel) into the new building complex. Second, Barry created a harmonious—though slightly asymmetrical picturesque—exterior by balancing the horizontal and vertical lines.

      The exterior’s recognizable sand-colored limestone came from Anston Quarry in Yorkshire. This particular stone was selected for its cost effectiveness and because it is a sedimentary rock, it could be easily manipulated. In the twentieth century, parts of the building in which the stone had eroded significantly were replaced with a honey-colored limestone from Medwells Quarry in Rutland.

      Third, Barry’s classical training strongly influenced his logical arrangement of rooms and courtyards, which he based around the classical system of repeating modules. This can best be appreciated by viewing a floorplan of the structure. Four branches of the building radiate out in the cardinal directions: north, south, east and west from a centrally located octagonal lobby. Barry placed the Throne room (located in the House of Lords), the House of Lords, and the House of Commons in line with one another, a subtle underscoring of the line of power in the English government. Pugin designs for the interiors included furniture, tiles, stained glass, and metal work. His most sumptuous decoration appears in the House of Lords, where seemingly every square inch is encrusted with medieval-inspired decoration.

      Switching to the United States, architects such as Richard Upjohn’s used Pugin’s books as a manual to design Gothic Revival buildings like Trinity Church (New York City, NY, 1839–46). Trinity Church was one of the most noteworthy commissions executed in America in the Gothic Revival style. In Trinity Church, one sees a shift occurring in American taste from the Classically inspired to the Gothic and Picturesque. Trinity Church espoused the ideals from leaders of the English Gothic Revival, and Upjohn based its design on an illustration of an “ideal church” from Pugin’s True Principles. Upjohn tweaked several aspects of Pugin’s design to accommodate American building methods and the site such as the vaulting, the pitch of the roof, and the chancel. Longitudinal in plan and made of brownstone masonry, the church was not as elaborately decorated as it could have been.

      The Grammar of Ornament

      Owen Jones’ Grammar of Ornament (London, 1856) is a design manual that has inspired countless generations of architects and designers. Conceived during era of English design reform, the Grammar of Ornament became Jones’ aesthetic treatise. В Grammar of Ornament contains Jones’ 37 propositions (principles) of design, nineteen chapters dedicated to historical types of ornament, and a single chapter dedicated to the common denominator behind all ornament—nature appeared in 100 chromolithographed plates, in which there were 1,000 cropped illustrations ornament, which removed any hint of an original context.

      The quality of the lithographic plates is one factor that made the Grammar of Ornament famous. The content of the Grammar of Ornament appealed to architects, designers, and reform design thinkers, as John Kresten Jespersen writes, “for a century (after its publication), almost every architect’s office had a copy of the Grammar of Ornament. » The intent of this publication was not to give architects, ornamentalists and designers a template from which to copy in their work, rather to allow individuals to absorb lessons from the past and apply this information to the ornament that would suit modern life.

      The Skyscraper

      The skyscraper is an American invention. Created in the second half of the nineteenth century and refined throughout the rest of the nineteenth and early twentieth centuries, skyscrapers—from the very beginning—have been symbols of commerce and prestige. The skyscraper is the first instance where the architectural story begins in America and then spread overseas. Scholars agree that a skyscraper must contain three features:

      • Significant Height: (more vertical than horizontal) This building type was created to suit the need for increased building space in major urban areas, the two most important of which were New York City and Chicago. The scarcity and the cost of land in these and other urban areas forced architects to build in only one direction—upwards.
      • Passenger Elevators: As human beings are usually opposed to walk up more that five flights of stairs, the incorporation of passenger elevators were a blessing. Elevators made each and every floor just as easily accessible and rentable, enabling building to be higher.
      • Metal Frame: Iron’s popularity increased in the middle of the nineteenth century as architects discovered its potential in building construction. Iron was used two ways in architecture: cast and wrought. Cast iron was a strong metal, capable of carrying great weights by compression. Major flaws of cast iron included its brittleness in terms of ductility as well as the irregularity of its compositional makeup. Wrought iron was not as strong as cast iron, but had an advantage in that it could assume any number of shapes. The combination of cast iron posts and more extensive wrought beams revolutionized the way in which architects envisioned structure and space.

      In short, iron allowed architects to build taller and span wider distances than ever before. In other words, advancements made in skyscraper height are closely tied to advancements in building technologies that supported them. Beginning in the 1880s, the more expensive and specialized product, steel began to replace iron as the preferred structural building material (as it contained the same/or increased strength of cast iron and the ductility of wrought iron). In the 1880’s, the first architects made the switch from iron to steel.

      The earliest example of a skyscraper may surprise you. Noted authorities Weisman and Condit concur that Gilman, Kendall & Post’s Equitable Life Assurance Company Building (New York City, 1868–70 destroyed) is the first skyscraper, since it was the first building that was designed and built containing all three of the aforementioned skyscraper features. Our twenty-first-century eyes, accustomed to seeing skyscrapers as enormous structures built of a curtain of metal and glass, would likely not recognize Equitable Life Assurance Company Building as an early descendant. This lost structure (for which no plans survive) is known only through images and building records. At 130 feet in height, this building was not significantly taller than surrounding commercial buildings. Yet, the conscious incorporation of the elevator transformed commercial architecture, as it allowed all eight stories to be easily reached, and therefore easily rentable.

      Architects cloaked the Equitable’s iron skeleton in the only way they knew how: with a grey-granite masonry, arranged with tiers—separated by entablatures—and capped with a hipped roof. In images the structure has a very Second Empire appearance, a style believed to be chosen for its ability, given Haussmann’s opulent Paris, to signify stability and prosperity. From the very beginning, skyscrapers served as office buildings. Throughout the later nineteenth century architects worked to give a characteristic facade to the skyscraper. Two major trends emerged: “wild work” and the Italian Renaissance palace, which can easily be illustrated with noteworthy period examples.

      In Chicago, William LeBaron Jenney’s Home Insurance Building, c. 1885 is an example of “wild work.” “Wild work” was a descriptor used by eminent late-nineteenth century architectural critic Montgomery Schuyler to refer to facades like this one. What Schuyler found wild, or mind-boggling, about this building was the ways in which the horizontal and vertical lines were constantly interrupted. The Home Insurance Building is also noteworthy as it was the first building to use steel construction.

      In New York City, the firm of McKim, Mead, and White gravitated towards a three-part skyscraper façade, evident in the American Safe Deposit Company Building, (1882–4). This building’s three parts (basement, shaft, and third tier of space at the top) are neatly defined. Three-part façade divisions like this inspired critic Montgomery Schuyler (who we just met above) in 1899 to liken such surfaces to the three parts of a classical column: base, shaft, and capital. Over the years, Schuyler’s metaphor has been applied to, and used to explain numerous facades, and has mutated to become the accepted explanation, but is wrong. This type of façade was inspired by Italian Renaissance Palaces such as the tripartite façade of the fourteenth/fifteenth century Palazzo Davanzati, which likewise has a basement, a shaft, and a third tier of space at the top–complete with an order in the loggia. The tripartite formula became a popular pattern used by architects across the nation such as Daniel H. Burnham & Company’s Flatiron Building (New York City, 1901–3). Even two-decades after this façade pattern had been first implemented, it had yet to fall out of style.

      The Aesthetic Movement

      Aesthetic Movement architecture (which is usually called the Queen Anne Style) began in England in the 1860s and then came to America in the 1870s. It was largely used as a secular architectural style, which some critics considered to be a major flaw (since it did not transition into sacred commissions). This style was characterized by its freedom, especially in color, picturesque, and asymmetrical design, and complex ornament. One of its greatest practitioners was R. Norman Shaw and one of the most famous buildings was the New Zealand Chambers Building (London, 1871–3 destroyed), an office building. Shaw used architectural elements to break up flat surfaces and shatter the light across the exterior of this building. The tendency to create highly textured facades would become a feature associated with Aesthetic Movement architecture on both sides of the Atlantic.

      H. Richardson’s William Watts Sherman House (Newport, Rhode Island, 1874–6 and numerous additions) was one of America’s earliest Aesthetic Movement architectural works. Most Americans would be introduced to the other aspects of the Aesthetic Movement at the Centennial Exposition in 1876. The Sherman Residence was a combination of established and innovative architectural features. The established features included the asymmetry (attempting to break the box) of early nineteenth century homes. The innovative feature was a new form of space—the living hall. The Sherman House’s living hall stretched the depth of the building and contained a hearth and a massive staircase. A variety of rooms (public, private, servant quarters) radiated off this living hall which produced an irregular floorplan.

      The irregularity of the floor plan was expressed in the asymmetry of the façade’s exterior. Within the gables Richardson created the silhouette of a saltbox house. The inclusion of this profile is noteworthy as Richardson revived a distinctive aspect of American colonial architecture. Additionally, on the facade, Richardson varied surface texture, allowing light to break apart on the surface, causing a scintillating effect. Inside, a selection of decorative objects—such as art glass—further underscored the philosophy of the Aesthetic Movement.

      Second Empire Paris and Ecole des Beaux Arts Classicism

      Charles Garnier’s Paris Opera House (Paris, 1862–75) is a building about spectacle. A grand structure, it was one of many that fit into Baron Haussmann’s revitalization of urban Paris. The Opera’s spectacle begins with its location. Built on its own island, it is approachable from several streets and the major Avenue de l’Opera, terminating in its own Place (a plaza or square). Though one may be distracted from the shear amount of ornament on the façade, the exterior overlooking the Place can be distilled into a podium-like arcaded base, atop which Garnier placed a colonnade. This colonnade was a recognizable variation of the two-part façade that Bramante’s House of Raphael popularized back in the Italian Renaissance, now quite popular in Paris. Garnier proceeded to adorn this classical façade with sculptural accents for which he employed some of the finest artistic talents in Paris—such as Jean-Baptiste Carpeaux, who sculpted Танец.

      The building’s entrances were designed to accommodate the societal needs of different opera-goers, from the Emperor to the bourgeois. Once inside, the spaces Garnier created is the mark of the classical training regimen of the Ecole des Beaux Arts, the institution that taught Garnier. The spacious lobbies, wide staircases, and sumptuous veneered surfaces served as dramatic platforms and backdrops to an environment designed for people to see and be seen. Underneath these elaborate surfaces, the Opera’s structure made use of the latest advancements in iron construction. Inside and out, this building makes use of Classical sources.

      Although there were almost 200 structures built for the World’s Columbian Exposition (hereafter WCE—Chicago, 1891–3), the fair became a dialectic of two courses in American architecture, Ecole des Beaux Arts classicism (evident in the architecture of the Court of Honor) and Picturesque/Aesthetic Movement (evident in the architecture surrounding the Lagoon). In America, leading up to the WCE, picturesque traditions such as the Aesthetic Movement—with their colored, asymmetrical, and scintillating surfaces—were popular.

      For example, Louis Sullivan’s predominantly red and gold Transportation Building extended this visual tradition to the WCE. In contrast, the majority of the main fair structures were constructed in the tradition taught at the Ecole des Beaux Arts in Paris. These fair buildings were unified by their coloring (white), classically inspired architectural elements, unified cornice line (65’), and axial symmetry. Beaux Arts classicism had such an effect on fairgoers that it would become the favored architectural style in America for the next several decades.

      The differences between these two architectural vogues were further underscored in the WCE’s landscaped environments, designed by landscape architect Frederick Law Olmsted. Olmsted’s landscape architecture for the Court of Honor was a well proportioned symmetrical basin in perfect tandem with the balanced (all buildings had a 65’ cornice line) and symmetrical Ecole des Beaux Arts classicism surrounding it. For the lagoon area, Olmsted designed an irregularly shaped lagoon, in the middle of which was a wooded island with picturesque trails.